1001 discos que hay que escuchar antes de morir

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1001 discos que hay que escuchar antes de morir

El ‘Rey’ del rock a subasta en el 35 aniversario de su muerte

septiembre 13th, 2012 · No Comments · Genera

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El Hotel Peabody de Memphis albergará una subasta con objetos de Elvis Presley Discography que alcanzan cifras millonarias en el mercado, entre ellas una firma del artista en una tarjeta de biblioteca a los 13 años. El mito que rodea la vida de Elvis Presley convierte a sus objetos en joyas que alcanzan hoy cifras millonarias en el mercado: Desde frascos de pastillas, pistolas, gafas, camisas, el traje que llevaba en la histórica reunión con el presidente Nixon en 1970, una gabardina del artista e incluso la firma en una tarjeta de biblioteca que un joven Elvis estampó a los 13 años. Muchos de sus ídolos consideran que aún vive; no cabe duda de que se trata de una leyenda aún viva.

La directora del departamento de objetos de la industria musical y de entretenimiento de Heritage Auctions que se encarga de la subasta, Margaret Barrett, señaló que la subasta es una forma de tributo al legado de Presley en la cultura estadounidense.

El segundo álbum de 1001 discos que hay que escuchar antes de morir es precisamente el Elvis Presley (1956), el álbum debut del Rey del pop, reseñado justo después de In The We Small Hours (1955) de Frank Sinatra. No se trata de la Biblia. De hecho, juzgado desde la perspectiva actual, superado ya el impacto inicial, “el primer larga duración de Elvis Presley es un trabajo tremendamente inconsistente. El cancionero se confeccionó a partir de varias sesiones: siete temas fueron grabados a principios de 1956, justo antes de la edición del álbum el 13 de mayo, pero cinco cortes eran descartes grabados en el 54 y 55 en el sello Sun Records de Sam Phillips, antes de que RCA contratara al de Memphis. Por supuesto que hay magia en este disco, y mucha: la verdad es que ha habido revoluciones que comenzaron por mucho menos. El góspel blanco de I’m Counting On You y el ritmo nervioso de I Got a Woman de Ray Charles te noquean de primeras”.

Cuatro años después regresó a lo más alto con Elvis Is Back! (1960), como no podía ser de otra manera. La RCA venía de pasar dos años de sequía cuando Elvis volvió del ejército. Para que el Rey se volviera a sentir como en casa en el menor tiempo posible, reunieron a los músicos que habían acompañado hasta poco antes de que se convirtiera en recluta. Dos semanas más tarde el equipo se reunió de nuevo, en “una noche en la que el rayo de Memphis volvió por sus fueros, tan salvaje y animado como había sido en sus primeras sesiones para la Sun. Cuanto más tocaban más se iban soltando, y el bullicio se fue apoderando del estudio de grabación. Doce canciones que rezumaban libertad; a Elvis le costó nueve años conseguir algo igual”, a juicio de David Hutcheon, colaborador de Sunday Times y Time Out.

Elvis se pasó casi toda la década de los 60 concentrado en protagonizar una cantidad enorme de películas terribles llena de música banal. Su regreso comenzó en 1968 con un especial de televisión en el que interpretó los temas R&B de su juventud. Inspirado por su experiencia, Elvis se reinstaló en su ciudad natal de Memphis – por entonces una metrópoli musical interesada en editar regularmente éxitos de pop y soul – y reservó varias sesiones en los American Sound Studios. “La América trastornada por la guerra y el asesinato reclamaba la vuelta de Elvis en tanto que icono del rock: las sesiones de Memphis restablecieron su relevancia una vez más”, concluye 1001 discos elvispresley-songs.com que hay que escuchar antes de morir.

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Norah Jones traerá ‘Little Broken Hearts’ a Barcelona

agosto 31st, 2012 · No Comments · Genera

El próximo 20 de septiembre la cantante norteamericana Norah Jones Discography ofrecerá un concierto en el Auditori de Barcelona en el marco del ciclo Livenation. Little Broken Hearts es su nuevo trabajo discográfico, publicado en mayo y producido por Danger Mouse, con canciones originales compuestas por la cantante junto a Brian Burton. Entre ellas se encuentra Happy Pills, cuyo videoclip podéis ver en el siguiente enlace:

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Little Broken Hearts es su sexto trabajo discográfico tras el éxito de sus anteriores producciones: Come Away With Me (2002), Feels Like Home (2004), Not Too Late (2007), The Fall (2009) y Featuring… (2010). Su singular voz y su peculiar estilo la convirtieron en una de las cantantes más reconocidas a nivel internacional. Su primer álbum, Come Away With Me (2003) vendió 25 millones de copias en todo el mundo y arrasó en esa edición de los Grammy.

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Este trabajo es uno de los 1001 discos que hay que escuchar antes de morir, ya que por aquel entonces “Jones era una agradable brisa en unas listas de ventas copadas por tíos con los pantalones cinco tallas más grandes”. Come Away With Me es una mezcla seductora de folk y jazz, en la que la cantante norteamericana tiene un filón texano que recuerda más bien a Edie Brickell. La canción que da título al álbum es la mejor de todas: “una invitación sensual, compuesta por ella misma, que es imposible de rechazar”. Las recompensas que obtuvo fueron el honor de ser la artista del sello Blue Note que más discos había vendido y un puñado de Premios Grammy. Después de declarar escucho a los Rolling Stones y me entran ganas de estar en una banda de rock, incluso se ganó la aprobación del mismísimo Keith Richards. Pero estas tendencias rockeras de la artista solo la han llevado, de momento, a un cameo con los Foo Fighters, además de colaborar con Belle and Sebastian y El Madmo.

Además de disfrutar del bello álbum debut de la cantante neoyorquina, os recomiendo fervientemente este nuevo Little Broken Hearts y, en particular, de sus temas Happy Pills, Good Morning y Take It Back.

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‘Cut the world’

agosto 31st, 2012 · No Comments · Genera

Para mí, cantar siempre ha supuesto una oportunidad para volar hacia la fantasía, para soñar. Antony Hegarty, 2005.

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A principios de agosto, la banda neoyorquina Antony And The Johnsons Discography, liderada por el cantante británico Antony Hegarty, lanzó su nuevo trabajo discográfico, Cut the world, cuyo primer single, homónimo, fue grabado en la orquesta de la radio de Copenhague. Precisamente este tema formaba parte del espectáculo Vida y muerte de Marina Abramovic, en el que participó el cantante britántico junto a Robert Wilson y Willem Dafoe. Cut the world es un disco reivindicativo, una férrea defensa del medio ambiente que llega dos años después de lanzar su anterior trabajo, Swanlights.

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Antony & The Johnsons publicó su primer álbum, homónimo, en 1998, y tres años después Lou Reed fichó al alma del grupo para colaborar en su disco The Raven. Pero fue el segundo disco de la banda, I am a bird now (2005), el que les llevaría a lo más alto. Se trata de uno de los 1001 discos que hay que escuchar antes de morir, porque “resulta frágil hasta el punto de la desintegración, una experiencia desgarradora e inquietante”. Como apuntó The Guardian: Majestuoso al tiempo que se enfrenta al miedo a la muerte. De hecho, la frase con la que empieza este álbum, Espero que alguien cuide de mí cuando haya muerto, es una de las frases más poderosas de la música moderna.

La voz deslumbrante de Antony Hegarty, que recuerda a las de Nina Simone y Brian Ferry, ejemplifica a la perfección su ambigüedad sexual. De hecho, la identidad sexual es una de las preocupaciones más recurrentes del cantante afincado en Nueva York. Incluso la portada de este trabajo así lo refleja, con la mirada ausente de Candy Darling, transexual no operado que alcanzó una fama efímera en las películas de Andy Warhol.

“No parece tratarse de una receta destinada a obtener el éxito comercial. Per eso fue lo que ocurrió cuando el disco llegó al top 5 en el Reino Unido tras ganar el Mercury Music Prize de 2005. Este triunfo sorpresa quedó encorsetado entre las afiladas guitarras indie de Franz Ferdinand (2004) y los Arctic Monkeys (2006). Estas banda quizá sean más representativas del paisaje musical británico de aquel momento, pero el inesperado éxito de I Am A Bird Now confirmó que, al menos durante un rato, hubo cabida para algo decididamente nuevo y desafiante”.

Y aún hoy nos sorprende su cautivador y enigmático estilo. Tras el memorable concierto en clave sinfónica que la banda ofreció en el Kursaal de San Sebastián, Antony & The Johnsons actuó en Portugal, Suiza y Suecia, poniendo el punto y final en el Meltdown de Londres y presentando de forma oficial Cut the world.

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‘Living things’, lo último de Linkin Park

agosto 2nd, 2012 · No Comments · Genera

All that I needed,

Was the one thing I couldn’t find.

Linkin Park puso a la venta en junio su último trabajo discográfico, Living things, co-producido por Rick Rubin (Adele, Metallica) y el vocalista y multi instrumentalista de Linkin Park, Mike Shinoda, que ya coprodujo los dos anteriores álbumes de la banda. El primer single, Burn It Down, ha arrasado en Youtube con un vídeo de grandes efectos especiales:

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Emily Kelly, crítica musical en Melbourne explica en 1001 discos que hay que escuchar antes de morir el increíble salto a la fama que dio la banda de Los Ángeles cuatro años después de su nacimiento, en 1996.

Si todo hubiera ido conforme el plan, la arremetida de los Linkin Park Discography a las listas de singles hubiera surtido efecto mucho antes. Pero varias compañías de discos sencillamente rechazaron a la banda, hasta que tuvieron la oportunidad con Jeff Blue, que proporcionó al quinteto los medios para crear y distribuir su propio álbum. Finalmente, el disco, titulado Hybrid Theory (2000), el nombre anterior de la banda, acabó saliendo a la luz bajo el amparo de la Warner en el año 2000.

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El primer single, One Step Closer, arropado en el movimiento nu metal que por el 2000 ya había tomado bastante impulso, se convirtió en hit al instante. Le siguió Closer, con el que “los Linkin Park demostraron que eran una banda de enorme potencial, caracterizada por una innovadora mezcla de hip hop old-school y rap, metal y música electrónica que los situaba por encima de sus compañeros de camada. En el álbum combinan ritmos pegajosos y originales con letras feroces, además de mostrar influencias del rock más duro (como en A Place For My Head), y estar todo ello coronado por una producción de lujo”, puntualiza Kelly.

“Las vibraciones metal de Hybrid Theory, a la vez violentas y melódicas, convirtieron a la banda en candidatos ideales para las giras estadounidenses Family Values y Projekt Revolution. Hicieron la friolera de 324 conciertos en 2001, con lo que su popularidad se incrementó exponencialmente. A finales de ese año, ya eran una de las mayores bandas del nuevo milenio, y Hybrid Theory había sido el álbum más vendido en todo el año en Estados Unidos, y el segundo en todo el mundo”, concluye 1001 discos...

Living things:

Lost in the echo

In my remains

Burn it down

Lies greed misery

I’ll be gone

Castle of glass

Victimized

Roads untraveled

Skin to bone

Until it breaks

Tinfoil

Powerless

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Medio siglo de Rolling Stones

julio 20th, 2012 · No Comments · Genera

¿Quieres ser malo? Hoy en día hay muchas formas de lograrlo. En los sesenta era sencillo: los Beatles eran buenos; los Stones, malos.

El 12 de julio se cumplió medio siglo de la existencia de los míticos Rolling Stones. El sexteto conocido por aquel entonces como Mick Jagger and The Rolling Stones Discography actuó como telonero en un sótano de Oxford Street. Cincuenta años después se les ha propuesto actuar en los actos de los Juegos Olímpicos de Londres. Su leyenda sigue viva. Tras publicar 24 álbumes y vender más de 200 millones de discos, los Rolling Stones se han consolidado como una de las bandas de rock más grandes de todos los tiempos. La selección de 1001 discos que hay que escuchar antes de morir incluye seis de los álbumes de la mítica banda británica, la gran mayoría comprendidos entre la segunda mitad de los sesenta y principios de los setenta, una selección que me gustaría repasar en este homenaje a los Stones.

Cuarenta años después de su nacimiento, su álbum debut The Rolling Stones (1964) sigue sin envejecer y es una piedra de toque en la historia del rock, tanto como John conociendo a Paul o Nirvana sacando a Michael Jackson del nº 1. Ese primer trabajo “no tiene material tan bueno como el que sacarían tiempo después. Pero aquel desaliño rolling stones music arrogante fue como un seísmo en el pop educado de entonces, y todavía hoy resuena ese eco”.

En Aftermath (1966) los Stones se explayaban a gusto. Fue el primer álbum de la banda compuesto íntegramente por canciones originales, y por ello constituye su Hard Day’s Night particular. Por aquel entonces los Beatles y los Stones habían llegado a la mayoría de edad, y el mundo era suyo.

En Beggars Banquet, los Stones dejaron atrás los trucos psicodélicos de estudio y retomaron sus raíces blues y country para dar a luz a un clásico guitarrero que también prefiguró el sendero más oscuro que su música recorrería en años venideros. Poco después llegaría Let It Bleed (1969), un álbum que Sheryl Crow confesaba que sería “el que rescataría del fuego”. Mick Jagger, que casi siempre se muestra desdeñoso con su trabajo, admite que este álbum “es un buen disco. Yo diría que es uno de mis favoritos”.

El álbum Sticky Fingers (1971) pasó a la historia no sólo porque fue el primer LP que los Stones sacaron en su propio sello, el primero donde figuró el célebre logo de la lengua y los labios diseñado por John Pasche y el primero en alcanzar el nº1 en las litas estadounidenses y británicas, sino también por la cubierta de Andy Warhol, que muestra un paquete embutido en unos tejanos, la portada definitiva en la historia de los Stones. Este álbum contenía la inolvidable Brown Sugar:

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Los Smashing Pumpkings vuelven con ‘Oceania’

julio 6th, 2012 · No Comments · Genera

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No one can love you (nadie puede amarte)

‘Cause no one can free you (porque nadie puede liberarte)

Lovers can’t touch you (los amantes no pueden tocarte)

‘Cause lovers might reach you, yeah (porque los amantes podrían alcanzarte)

La banda de Chicago, liderada por Billy Corgan, con Mike Byrne a la batería, Nicole Fiorentino al bajo, y Jeff Schroeder a la guitarra, regresa con su séptimo álbum de estudio, Oceania, el esperadísimo trabajo de los Smashing Pumpkins para este 2012, que forma parte de Teagarden By Kaleydiscope (2009), un megaproyecto de 44 canciones.

Su anterior trabajo discográfico, Zeitgeist (2007), no tuvo una gran acogida por la crítica, pero Oceania es una auténtica delicia, con temas como The Celestials o Violet Rays, que recuerdan a su primera época.

Aunque en 1991 lanzaron su trabajo Gish, fue Siamese Dream (1993) su primer gran éxito y uno de los 1001 discos que hay que escuchar antes de morir. Pero fue su secuela, Mellon Collie And The Infinite Sadness (1995), la que llevó a la banda a lo más alto y la quelogró triunfar sin prescindir de las complejidades ni las revelaciones emocionales de su álbum predecesor. “Poco después del lanzamiento en 1995, toda una serie de tumultuosos acontecimientos propulsaron al álbum y a la banda a primera línea. En cuestión de 12 meses, logró siete nominaciones a los Grammy, incluida la de mejor álbum del año; el teclista para las giras Jonathan Melvin murió por sobredosis de heroína; y el batería Jimmy Chamberlin fue arrestado por posesión de drogas y despedido después de la banda”, se puede leer en 1001 discos… Corgan “merece crédito por sus constantes esfuerzos y su valentía al aventurarse en nuevos territorios y salir a flote con uno de los discos más importantes de los noventa y uno de los más hermosos de la historia del rock”.

Sin duda Oceania es el mejor disco de los últimos años, elaborado, pero también evolucionado, alejado en cierta medida de los éxitos de los Smashing Pumpkins albums de los noventa.

Oceania

1. Quasar – 4:55

2. Panopticon – 3:52

3. The Celestials – 3:57

4. Violet Rays – 4:19

5. My Love Is Winter – 3:32

6. One Diamond, One Heart – 3:50

7. Pinwheels – 5:43

8. Oceania – 9:06

9. Pale Horse – 4:37

10. The Chimera – 4:16

11. Glissandra – 4:06

12. Inkless – 3:08

13. Wildflower – 4:42

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Neil Young y Crazy Horse, juntos de nuevo

junio 21st, 2012 · No Comments · Genera

Los amantes de la música al más puro estilo americano están de suerte. El mítico músico Neil Young ha regresado a la palestra junto a Crazy Horse después de nueve años sin compartir estudios de grabación. El título del álbum que han lanzado conjuntamente lo dice todo: Americana. Se trata además de la primera ocasión desde 1996, cuando grabaron Broken arrow, que Neil Young trabaja con el equipo al completo de Crazy Horse, formado por Billy Talbot, Ralph Molina y Frank Sampedro.

Americana, que contiene 11 temas,es un homenaje al folk clásico americano, con versiones de temas clásicos como This land is your land, Tom Dula, el himno nacional británico God save the Queen (que fue el himno de Estados Unidos antes del establecimiento de la Unión) o la canción Oh Susannah, que podéis escuchar en el siguiente enlace:

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Los expertos de 1001 discos que hay que escuchar antes de morir destacan tres de los trabajos discográficos que publicaron conjuntamente el canadiense Neil Young and Crazy Horse albums: Everybody Knows This Is Nowhere (1969), Rust Never Sleeps (1979) y Ragged Glory (1990).

El primero de ellos lo grabaron en quince días y lo publicaron sólo cuatro meses después de su debut. Everybody Knows This Is Nowhere reunió a Young con una banda andrajosa de Los Ángeles a la que rebautizó Crazy Horse, y contaba con la afición de David Briggs a grabar en directo y su habilidad para capturar el momento. “La compenetración de Young y Crazy Horse nunca se demostró mejor que en Cinnamon Girl”:

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El segundo álbum destacado, Rust Never Sleeps, lo grabaron en 1979, cuando Neil Young celebraba haber sobrevivido a los setenta manteniendo intacta su integridad. El disco se abre y se cierra con dos variaciones de la canción Hey Hey, My My, “que reflexiona sobre el carácter efímero del estrellato: una pieza que se volvería legendaria después de que Kurt Cobain la citara en su nota de suicidio”:

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“Sin ser precisamente unos músicos muy técnicos, la magia de Crazy Horse radica en su desmañada improvisación […]. Los ritmos lentos y pesados de Crazy Horse y los solos frenéticos y llenos de distorsión de Young hacen de Ragged Glory no solo la mejor obra que el artista firmaría hasta Greendale (2003), sino también una insólita cima del entonces floreciente grunge”.

Con estos antecedentes, no cabe duda de que Americana satisfará a los fans del folk americano de la mano de uno de los más grandes músicos de todos los tiempos.

Americana

1. Oh Susannah

2. Clementine

3. Tom Dula

4. Gallows Pole

5. Get A Job

6. Travel On

7. High Flyin’ Bird

8. Jesus’ Chariot

9. This Land Is Your Land

10. Wayfarin’ Stranger

11. God Save The Queen

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‘La noche eterna. Los días no vividos’

junio 7th, 2012 · No Comments · Genera

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Wio, antenas y pijamas es uno de los adelantos del nuevo trabajo discográfico de los catalanes Love Of Lesbian albums: La noche eterna. Los días no vividos, un disco que pusieron a la venta el pasado 22 de mayo y que está arrasando en la lista de ventas de la plataforma iTunes. El álbum es una auténtica delicia. Dieciséis temas inéditos más un directo de la canción 1999, presente en su anterior disco, 1999 (o cómo generar incendios de nieve con una lupa enfocando a la luna).

Este nuevo trabajo se divide en dos partes: primero recorren La noche eterna, compartiendo momentos únicos en la eterna oscuridad, sin fin.

Y pienso en Bonnie and Clyde, juntos supieron morir,

Mientras tú y yo… la noche eterna sin fin.

Y luego describen Los días no vividos tras esas noches sin fin, los días que dejan de vivir por haber recorrido la noche. Con Oniria e insomnia terminan La noche eterna: Esa noche ella fue muy cruel, empezó despidiéndose […]. Después de unir su dualidad, ella no sueña más, ni él quiere despertar.

Los días no vividos empiezan con Nadie por las calles y llegan a la cúspide con Wio, antenas y pijamas, la mejor canción del álbum. Y ponen fin al álbum con la fascinante mención a Schopenhauer y a Murakami en Los toros en la Wii (fantástico), que los versos más bellos del disco:

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Lo he de vivir.

Quedarme adormilado entre tus piernas.

Dentro de ti, pequeña inmensidad, dulce anestesia.

En blanco te dejaré, como dejo este verso.

Porque tú conviertes las curvas en rectas.

Entrar en ti. Nacer pero al revés, huir ahí dentro.

En tu oscuridad.

Por ti sería una mezcla de beata y ramera. Dignísima gente rastrera.

Ya sé que no somos una pareja al estilo de antes,

Pero no es necesario tener principios, lo importante es tener finales.

El grupo catalán dejó con su anterior álbum el listón muy alto. Su gira del disco 1999 (o cómo generar incendios de nieve con una lupa enfocando a la luna), cosechó un gran éxito no sólo de público, sino también de crítica, obteniendo entre otros reconocimientos la calificación de “Grupo del año” y “Gira del año” por parte de la revista Rolling Stone.

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Garbage regresa con ‘Not your kind of people’

mayo 24th, 2012 · 2 Comments · Genera

La banda de rock alternativo de Wisconsin publica su quinto álbum de estudio a través de su propio sello discográfico, Stunvolume. Por primera vez desde su nacimiento en 1994, han grabado este trabajo discográfico en los Red Razor Sounds de Atwater Village de los Ángeles en lugar de en Madison (Wisconsin), como llevaban haciendo desde que lanzaran su primer álbum. Blood for Poppies es el adelanto de este nuevo trabajo, que podéis escuchar en el siguiente enlace:

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El álbum de debut de los Garbage album, homónimo, es uno de los 1001 discos que hay que escuchar antes de morir. Todo empezó cuando los productores Butch Vig, Steve Marker y Duke Erikson estaban mezclando un tema de Nine Inch Nails cuando llegó un amigo y comentó que lo que estaban grabando sonaba como garbage (basura). “El sucio sonido que estaban produciendo se convirtió en la base para su nuevo proyecto, que fue bautizado así debido al comentario de su amigo. Reclutaron a la vocalista escocesa Shirley Manson, y ella se convirtió en una poderosa figura como cara del grupo, con su llamativo pelo rojo y su fuerte actitud. Reescribieron la mayoría de las letras de los temas del álbum y los articularon en torno a la batalla de Shirley contra la depresión marcando el tono del debut del grupo”, a juicio del crítico Kylie McLaughlin. El tema Stupid Girl les colocó en lo más alto de las listas de ventas del Reino Unido y de Estados Unidos, junto a canciones como Milk o A Stroke of Luck, “más oscuros que el mismo infierno”.

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Más tarde publicaron Version 2.0, que les consolidó en el mercado anglosajón. En 2001 lanzaron Beautifulgarbage, un disco mucho más maduro y ecléctico, pero que no obtuvo un éxito destacable. Cuatro años después llegó Bleed Like Me, con el que volvieron a su estilo original. Finalmente, tras siete años de silencio, regresan con este Not Your Kind of People, que contiene temas tan interesantes como este Battle in Me:

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Not your kind of people

1. Automatic Systematic Habit

2. Big Bright World

3. Blood For Poppies

4. Control

5. Not Your Kind Of People

6. Felt

7. I Hate Love

8. Sugar

9. Battle In Me

10. Man On A Wire

11. Beloved Freak

[Edición deluxe]

12. The One

13. What Girls Are Made Of

14. Bright Tonight

15. Show Me

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‘Out of the game’, lo nuevo de Rufus Wainwright

mayo 9th, 2012 · No Comments · Genera

El músico de origen canadiense Rufus Wainwright publica Out of the game, el álbum más pop del artista, con influencias de Elton John, Freddie Mercury y David Bowie. Tras la pérdida de su madre hace tres años, el músico nacido en Nueva York confiesa haber vivido el momento más oscuro de su vida y, a la vez, su época más feliz con el nacimiento de su hija Viva.

El primer single del álbum, homónimo, es una auténtica delicia, cuyo videoclip está protagonizado por la actriz británica Helena Bonham Carter, pareja de Tim Burton:

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El prestigio de Rufus Wainwright como uno de los mejores cantautores de los últimos años quedó establecido con sus dos primeros álbumes en solitario, pero con Want One (2003) triunfó de una vez por todas. Se trata de uno de los 1001 discos que hay que escuchar antes de morir, porque “el resultado es como un musical consistente en una canción tremenda tras otra” y, además, es “la obra de un artista original con un ego saludable”. La música contiene pop y rock, ópera, clásica, cabaret, pero Wainwright “rehúye el peligro de caer en excesos gracias a su considerable talento de compositor y a los exquisitos arreglos orquestales de las canciones”.

Want Two (2004) es su segundo gran álbum, también recomendado por los expertos de 1001 discos que hay que escuchar antes de morir, porque este trabajo, a juicio del coordinador de la edición de 1001 discos…, Robert Dimery, “confirmó que en términos de composición, dotes musicales tradicionales y grado de ambición, Rufus Wainwright albums no tiene igual. ¿Ambición? ¿Cómo interpretar si no la idea de comenzar el disco con una misa latina por la paz, acompañada de un violín y un dulcémele gitanos, y luego envolverlo todo con una capa de cuerdas románticas? ¿Y terminar con un reggae árabe weilliano, que incluye la participación de Antony con su peculiar voz y una amalgama de cautivadoras líneas armónicas y gruñidos que recuerda a Smile?”. En el vídeo de a continuación podéis disfrutar de la última canción del álbum, junto a Antony Hegarty, una combinación inolvidable:

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Out of the Game

1. Out of the Game

2. Jericho

3. Rashida

4. Barbara

5. Welcome to the Ball

6. Montauk

7. Bitter Tears

8. Respectable Dive

9. Perfect Man

10. Sometimes You Need

11. Song of You

12. Candles

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