1001 discos que hay que escuchar antes de morir

El gran vocalista y baterista británico Phil Collins vuelve con un nuevo álbum, Going Back, que saldrá a la venta el próximo 13 de septiembre. Os adelanto el videoclip de su segundo single oficial (Girl):

Phil Collins: ‘Girl’

Antes de destacar como solista, Phil Collins realizó numerosas colaboraciones como baterista. Su primera grabación fue con Flamming Youth (1969), aunque no tuvo mucho éxito comercial. Poco más adelante, en 1970, acudió a una audición cuyo anuncio había leído en los Clasificados de la publicación británica Melody Maker. La banda Genesis necesitaba un baterista y un guitarrista. Después de tocar algunas piezas del segundo álbum del grupo, Trespass (1970), le eligieron para grabar su tercer disco, Nursery Cryme, y continuó como baterista de la banda los cinco años siguientes.

El álbum Selling England By The Pound (1973) es uno de los 1001 discos que hay que escuchar antes de morir, puesto que “representó un salto espectacular para el grupo en términos creativos y comerciales. La mayoría de sus fans lo consideran su mejor obra, tanto de la época liderada por Peter Gabriel como de la posterior”. Además, poco después de haberse colado por primera vez en los diez primeros puestos con un álbum en directo, Genesis se convertiría en un producto rentable, incluso con la marcha de Gabriel y el polémico ascenso de Phil Collins desde la batería.

Genesis: ‘Firth of Fifth’

En 1974 Brian Eno también necesitó un baterista para su tercer álbum en solitario, Another Green World (1975) y Collins acudió al recate.  También es uno de los trabajos discográficos escogidos en el libro 1001 discos que hay que escuchar antes de morir, considerado como “una obra maestra”. La participación de John Cale y Phil Collins fue similar al sonido de la banda de Collins, Brand X, sobre todo en las piezas más jazz-rock, como Zawinul/Lava y Sky Saw.

En 1975, cuando Gabriel abandonó Genesis para llevar a cabo sus proyectos en solitario, Collins se convirtió en la voz principal de la banda. Tras los éxitos cosechados entonces, como el del álbum A Trick Of The Trail (1976), el músico londinense inició su carrera en solitario en 1981, aunque no fue hasta 1996 cuando se dedicaría exclusivamente a ello, tras 26 años de arrasar en las listas de ventas británicas con Genesis.

Face Value (1981) fue su primer trabajo discográfico en solitario, aunque uno de mis temas favoritos de Collins (Both Sides Of The Story) se halla en el álbum editado en 1993, Both Sides.

Phil Collins: ‘Both Sides Of The Story’

La cantante de Barbados Rihanna y el rapero Eminem se han unido para denunciar los maltratos de las mujeres a manos de sus parejas en un tema (I Love The Way You Lie) que ha desatado diversas polémicas por la dureza de un videoclip que protagonizan Megan Fox y Dominic Monaghan. El clip relata la evolución de una pareja que empieza de forma muy tierna pero que acaba derivando en la violencia de género. Rihanna fue víctima de la violencia machista a manos de su ex novio Chris Brown, de ahí su interés particular en cantar este tema.

Eminem y Rihanna: ‘I Love The Way You Lie’

No obstante, la trayectoria profesional de Eminem, plagada de acusaciones de misoginia, no hace más que avivar la polémica del videoclip. Dos de sus álbumes han sido seleccionados como dos de los 1001 discos que hay que escuchar antes de morir, sin duda porque marcaron un antes y un después en la música rap. Hasta entonces ningún blanco había tenido gran repercusión en este tipo de música. Del disco The Slim Shady Show (1999) los críticos de este libro apuntan: “Los Watchdogs denunciaron la violenta imaginería y las letras homofóbicas, aunque millones de personas captaron el chiste: Mathers, en el papel de Eminem, tipo duro de la calle, y del bufón Slim Shady, había encendido fuegos para verlos arder. Sus intenciones, sin embargo, generaron dudas suficientes, debido en gran parte a las meticulosas descripciones, para convertir a Slim Shady en una especie de personaje de culebrón”.

Si algo tiene este álbum, “uno de los debuts más impresionantes en la historia de la música pop”, es que mantiene un logrado equilibrio “entre correrías de escolares, historias del barrio y tramas de película de terror”. En este disco se encuentra 97’ Bonnie and Clyde, un tema que cuenta la historia de un rapero que mata a su mujer, se deshace del cuerpo y se lleva a sus hijos, uno de los más claros ejemplos de su supuesta misoginia.

Eminem: ‘97’ Bonnie and Clyde’

Cuando Eminem grabó su primer disco en una compañía importante, el controvertido The Slim Shady Show, “los guardianes morales de la sociedad civil se apresuraron a juzgarle. Su veredicto fue unánime: Eminem era racista, sexista, misógino, homofóbico”, apuntan los críticos de 1001 discos…. Y, aunque la violencia y las palabras malsonantes no eran ajenas a la música rap, la originalidad de este músico residía en que no aislaba la violencia como una patología exclusivamente negra, sino de la clase media blanca estadounidense.

Ver a The Cranberries en directo es todo un espectáculo. La semana pasada tuve ocasión de acudir al concierto que ofrecieron en Palma de Mallorca y disfrutar del mejor pop rock con la inconfundible y desgarradora voz de Dolores O’Riordan.

La primera vez que estuve en Limerick (una pequeña localidad del oeste de Irlanda) pensé que era un pueblo demasiado pequeño para una banda tan grande como The Cranberries. Luego supe apreciar sus encantos más allá de haber servido de escenario a la brillante novela de Frank McCourt Las cenizas de Ángela y haber sido testigo de la infancia de unos músicos excelentes. Allí me compré el álbum Bury the Hatchet (1999), uno de los más emblemáticos de la banda liderada por Dolores O’Riordan. Este disco incorpora las canciones más conocidas del grupo, como Promises, Animal Instinct o Just My Imagination.

The Cranberries: Animal Instinct

Si algo me gusta de The Cranberries es su compromiso con la lucha contra el terrorismo que ha sacudido Irlanda desde su independencia. Con este objetivo nació su tema Zombie, un grito desgarrado a favor de las familias víctimas de una causa perdida, como se aprecia en su letra:

The Cranberries: Zombie

Another mother’s breakin’ (otra madre está herida),

Heart is taking over (el corazón toma el control).

When the violence causes silence (cuando la violencia provoca silencio),

We must be mistaken (debemos estar equivocados).

In your head, in your head they are fighting (en tu cabeza están luchando),

With their tanks and their bombs (con sus tanques y sus bombas),

And their bombs and their guns (y sus bombas y sus armas).

In your head, in your head, they are dying (en tu cabeza están muriendo).

Cuando contaban con dos discos en su haber y gozaban de un gran éxito a nivel local, entre 1993 y 1994 fueron de gira a Estados Unidos, haciendo de teloneros de The Matt Johnson y de Suede. Por aquel entonces, esta última banda sacó el álbum Dog Man Star, uno de los 1001 discos que hay que escuchar antes de morir. No obstante, The Cranberries acabó por tener más éxito que los grupos para los que hacían de teloneros, y desde entonces no hubo más que una clara ascensión a la fama. Fue la época de No Need To Argue, su álbum más vendido. A partir de entonces el resto vendría rodado.

Con Dreams se despidieron de Mallorca. Todo el público se levantó con este tema, incluido en el primer álbum de estudio de The Cranberries, Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We? Ahora se encuentran en una gira por Europa que además de diversos escenarios españoles incluye conciertos en Francia y Bélgica y que, en septiembre y octubre, recorrerá México, Venezuela y Brasil.

Tras sobrevivir a un cáncer, Kylie Minogue regresa con más fuerza que nunca. Nuevamente dispuesta a arrasar en las pistas de baile, el título del álbum le viene al pelo: Aphrodite. Se trata de su undécimo disco de estudio, que ha alcanzado otra vez el número uno en las listas británicas, como ya lo hiciera con discos publicados en la década de los ochenta, noventa y 2000.

Con esta reaparición, Minogue no sólo ha superado una dura enfermedad, sino también un crudo momento de su carrera profesional, tras la publicación de X (2007), un álbum que pasó absolutamente desapercibido. Sobre todo si se le compara con el increíble Fever (2001), que incluía los temas Love At First Sight o Can’t Get You Out Of My Head y que vendió alrededor de 9 millones de copias en todo el mundo.

Kylie Minogue: ‘Love At First Sight’

Kylie Minogue: ‘Can’t Get You Out Of My Head’

Aphrodite, que salió a la venta el mes pasado, incluye el tema Get Outta The Way, que en septiembre se escuchará en todas las emisoras de radio como el segundo single del álbum. En su primer single, All The Lovers, la cantante australiana explota la sensualidad y el erotismo, no sólo con su voz, mucho más delicada, sino también con una coreografía francamente excitante. Sino, echadle un vistazo a su videoclip:

Kylie Minogue: ‘All The Lovers’

Los críticos de 1001 discos que hay que escuchar antes de morir se refieren a ella como la “sirena del pop”. Kylie Minogue fue una de las cantantes invitadas de Nick Cave And The Bad Seeds en su álbum Murder Ballads (1996), en la que el siempre siniestro Cave proclamaba su ferviente admiración por las baladas sobre asesinos. Lo más curioso es que Cave siempre ha atribuido el éxito de Murder Ballads “a la presencia de la Minogue”. Yo me quedo con I Believe In You, una canción que dio a conocer en 2004 y que se integraba en un disco compilatorio llamado Ultimate Kylie:

And if you ever have to go away

Nothing in my world could ever be the same

Nothing lasts for ever, but together til the end

I’ll give you everything I have again and again

Kylie Minogue: ‘I Believe In You’

Willie Nelson ha titulado su nuevo álbum Country Music. Sin ambages, este disco reúne versiones que nos trasladan al country más tradicional, no sólo por los instrumentos (nada de baterías ni metales), sino también por la selección de clásicos que ha realizado el productor T-Bone Burnett. Nelson, el brillante músico que cantó en algunas ocasiones a dúo con Julio Iglesias, nos presenta temas como Man With The Blues o Dark As A Dungeon, ésta última una canción original de Merle Travis.

Read Headed Stranger (1975), con una de las portadas más country que se han publicado, es uno de los 1001 discos que hay que escuchar antes de morir. El año que salió a la venta Willie Nelson ya contaba con un importante corpus de trabajo a sus espaldas. Este tejano (que por aquel entonces tenía 42 años) había editado algunos discos estupendos, y había escrito grandes canciones country para otros artistas, como Crazy para Patsy Cline y Hello Walls para Faron Young. Pero fue Read Headed Stranger lo que hizo de Nelson una “superestrella del country”.

En un momento en que los éxitos del country estaban cargados de cuerdas suntuosas, la instrumentación de Stranger era simplemente guitarra acústica, piano y armónica. “Era algo así como un experimento formal, no del todo un álbum de concepto sobre las aventuras de un asesino pasional”, apuntas los críticos de 1001 discos… Y, a pesar de que su sello discográfico, Columbia, lo consideraba un experimento, el álbum vendió mucho y registró su primer número 1 con la versión de la canción de Fred Rose Blues Eyes Crying In The Rain.

Willie Nelson: ‘Blues Eyes Crying In The Rain’ (‘Red Headed Stranger’, 1975)

“Si Read Headed Stranger confirmó que Nelson era uno de los más grandes artistas country de su tiempo, Stardust (1978) selló su reputación como uno de los mejores y más distintivos cantantes estadounidenses de todos los tiempos”. Stardust le permitió enfocar el idioma del jazz (que tanto se apreciaba en su modo de cantar) sin ambages. Tras este álbum le siguió una gran carrera cinematográfica, así como otros tantos éxitos country, y Nelson prosiguió sus experimentos de género adentrándose en el mundo del blues y del gospel.

No tienen desperdicio estos fantásticos vídeos:

Willie Nelson: ‘Man With The Blues’ (‘Country Music’, 2010)

Willie Nelson: ‘Dark As A Dungeon’ (‘Country Music’, 2010)

Después de tres años inactivos, regresan los Crowded House con Intriguer, un álbum que se aleja del pop que les encumbró a principios de los noventa. Fruto quizá de la muerte del batería Paul Hester, la banda ha desarrollado un trabajo discográfico un tanto oscuro y psicodélico, que, aunque se aleje del estilo que tantos fans les proporcionó, también les ha permitido evolucionar.

Crowded House inició la gira de presentación del álbum antes de que el disco saliera al mercado, por un retraso en su publicación debido a algunos problemas con la discográfica. El líder del grupo, Neil Finn, en unas declaraciones que recoge El País, explicaba que “es como si las canciones tuvieran tres vidas: la que le damos en el estudio, la que crean los fans tras escuchar el disco y la que compartimos con el público cuando las tocamos en directo”.

Ciertamente es poco habitual que un grupo inicie su gira antes de la publicación del álbum, pero los miembros de la banda están encantados de experimentar las reacciones del público que escucha por primera vez sus temas. Y eso que regresan después de un parón de tres años, cuando publicaron Time On Earth (2007), que, a su vez, nació tras once años sin actividad musical. Fue en 1995 cuando Finn decidió disolver la banda, una decisión de la que no se arrepiente.

Intriguer nada tiene que ver con el álbum que encumbró al grupo, Woodface (1991). Éste es uno de los 1001 discos que hay que escuchar antes de morir, y por aquel entonces supuso un cambio de estilo y la adopción de un sonido único que se apartaba del de los anteriores álbumes del grupo. Una mayor presencia de la guitarra acústica, una menor aparición del órgano, la reticencia a utilizar complicadas técnicas de producción y la intensificación de la aportación creativa contribuyeron al cambio de orientación. Tras su publicación en 1991, el álbum obtuvo un considerable éxito en el Reino Unido. Weather With You fue determinante en la obtención del disco de platino y permitió al grupo realizar varios conciertos en el estadio de Wembley como cabezas de cartel.

Nuevamente evolucionan y la banda australiana-neozelandesa nos presenta un álbum absolutamente diferente que vale la pena escuchar. Crowded House aterrizó ayer en España, para ofrecer un concierto en la sala Razzmatazz de Barcelona. Mañana tocarán en la sala Heineken de Madrid, ciudad que no visitan desde el concierto que ofrecieron en 2008.

Crowded House: ‘Saturday Sun’ (‘Intriguer’, 2010)

Crowded House: ‘Weather With You’ (‘Woodface’, 1991)

Dado que no solemos prestar demasiada atención a la música latinoamericana, me gustaría dedicar este espacio a un descubrimiento que me realizó un blogger de megustaescribir. El Trío de Omar Rodríguez-López, se llama, en honor al líder de la banda, del mismo nombre. Este año han publicado un álbum sorprendente, lleno de matices, que podría enmarcarse (salvando las distancias) en un género de rock alternativo, psicodélico, con ciertos tonos indies. Omar Rodríguez-López es el músico que da nombre al grupo, un guitarrista puertorriqueño, productor y líder del grupo The Mars Volta, que también fue miembro de la formación At the Drive-In, formada en Texas en 1993. El resto de la banda la forman Aarón Cruz, un excelente contrabajista mexicano, y la sorprendente voz de Ximena Sariñana, actriz y cantante ganadora del premio MTV por su álbum Mediocre.

En Ciencia de los inútiles, su primer trabajo discográfico, cada canción representa uno de los días de la semana. Se trata de un sorprendente ejercicio donde cada uno de sus miembros parece nadar en su particular estilo y, no obstante, el conjunto alcanza una coherencia asombrosa.

Aunque las canciones Jueves y Viernes son las más interesantes, a mí me gusta especialmente Miércoles, quizá por los primeros acordes de Omar, que enganchan desde el principio y resultan ciertamente melancólicos. A ello debe añadírsele una letra fantástica, aparentemente muy simple, pero de las que se dejan leer entrelíneas. Quizá es la voz de Sariñana lo que la hace tan atractiva, que personalmente me recuerda a la de la también mexicana Julieta Venegas.

De hecho, se confiesa admiradora de la cantante mexicana más conocida en España, además de otros músicos como Ella Fizgerald, Björk o Caetano Veloso. En cierta manera se puede percibir la influencia de éste último, “distinguido, andrógino, profundamente intelectual a pesar de ser gloriosamente irreverente”, como le describen los críticos de 1001 discos que hay que escuchar antes de morir.

Pero es mejor que juzguéis vosotros mismos, y nada mejor que el tema Miércoles para descubrir a esta nueva banda mexicana.

El Trío de Omar Rodríguez-López: ‘Miércoles’

Mallorquina de sangre andaluza y macedonia, pero afincada en Barcelona, se suele comparar a esta visceral cantante con P. J. Harvey, aunque ella prefiere remitirse a Tom Waits como influencia en su música. Y eso que su voz es muy similar y su estilo también es comparable al gusto de Harvey por los riffs del blues, como describen los críticos del libro 1001 discos que hay que escuchar antes de morir al estilo musical que marcó la cantante británica a principios de los noventa.

El pasado marzo salió a la venta el tercer disco del grupo que lidera Makovski, que, gracias al papel que ha tenido el productor John Parish (también mentor de Harvey) empieza a dejarse ver, sobre todo en Gran Bretaña, donde la BBC ya ha dedicado un espacio a sus canciones. En España de momento está de gira, actuó en la sala Apolo de Barcelona este lunes, ayer en Gijón y durante junio aterrizará en Salamanca, Vilanova i la Geltrú y Santander, entre otros escenarios.

         En una entrevista recogida por la revista Rockisroll, la cantante confiesa que “no ha habido nada que haya estado escuchando” que le haya influenciado directamente en la grabación. “Este álbum ha nacido más de las experiencias que me han ido pasando desde el 2008 hasta ahora. Ahora, después de haberlo grabado, sí que puedo decir que me he sumergido de nuevo en el mundo de las texturas musicales, caso por ejemplo de Tom Waits, que suelo escucharlo mucho”, subraya.

         En el 2003, con 20 años de edad, se trasladó a Barcelona, donde confiesa haber vivido su momento más esplendoroso en la composición musical. Y eso a pesar de que en la ciudad condal predomina una tendencia indie que no comparte especialmente.

Se trata del tercer álbum de la banda, formada por David Martínez (batería y percusión), Juan Carlos Luque (bajo, coro, percusión) y Oskar Benas (guitarra, bajo y coro). Grabado entre Bristol y Bath, este trabajo discográfico contiene canciones tan interesantes como Lava Love, The Deadly Potion Of Passion o Friends, todas ellas colgadas en MySpace.

En el primer álbum, Kradiaw, que data de 2005, se incluye el tema James Dean’s Alive, una canción que compuso cuando tenía tan sólo 18 años y en la que ella misma percibe su inocencia de entonces. Su segundo disco también sonaba de un modo extraño, Kraj So Kóferot (2007), con un ritmo bastante underground, influencia probablemente de su estancia en Nueva York.

         Con este último disco Makovski satisface a un gran espectro de aficionados al rock con resonancias al blues que echaban en falta una voz femenina y visceral como la suya.

Maika Makovski: When The Wind Blows

La semana pasada coincidí con Joan Manuel Serrat en el avión de Bilbao a Palma de Mallorca. Me pareció una bella casualidad, dado que pensaba dedicarle un post en este espacio, aprovechando que recientemente el músico catalán ha vuelto a ser actualidad. Al parecer, aterrizaba en Mallorca para ofrecer uno de los conciertos enmarcados en su nueva gira en homenaje al genial poeta Miguel Hernández.

         Y eso a pesar de haber pasado recientemente por el quirófano para que le extrajeran un nódulo del pulmón. Será porque su pasión por la música es equiparable a su amor por la poesía. Hijo de la luz y de la sombra es el título que ha escogido para su gira, que recorrerá toda España y se alargará hasta el próximo año.

         Serrat es un ferviente admirador del “poeta del pueblo”, a quien dedicó un álbum en 1972, uno de los años más prolijos musicalmente de la década. Ese año David Bowie, Randy Newman, Neil Young, Lou Reed o Stevie Wonder sacaron a la venta álbumes recomendados en 1001 discos que hay que escuchar antes de morir. En esta ocasión, el cantautor de 66 años ha seleccionado poemas de todos los períodos de la vida de Hernández, desde su juventud (por ejemplo, La palmera levantina) hasta su etapa adulta, donde compuso Hijo de la luz y de la sombra, unos versos dedicados a su primer hijo. Su poesía es pura emoción, como los conciertos del cantante de Barcelona. El propio Serrat reconoce que se emociona al recitar sus versos, y más si los acompañan videoclips inspirados en su poesía, filmados por cineastas como José Luis Garci o Isabel Coixet.

         La vida del poeta estuvo también repleta de emociones. Hernández fue, junto con muchos de sus coetáneos, víctima del franquismo. Pasó en la cárcel los últimos años de su vida, puesto que se le conmutó la pena de muerte por treinta años de prisión. Sin embargo, Hernández murió antes de acariciar la libertad, como consecuencia de una enfermedad, en 1942. Allí escribió sus preciosas Nanas de la cebolla, dedicadas a su hijo, quien, según había leído en una carta de su mujer, sólo comía pan y cebolla:

Vuela niño en la doble

luna del pecho:

él, triste de cebolla,

tú, satisfecho.

No te derrumbes.

No sepas lo que pasa ni

lo que ocurre.

 Cuando Serrat volvió a acercarse a la figura de Hernández, pensó en versionar sólo un par de poemas; no obstante, no pudo renunciar a gran parte de sus versos, de ahí que haya incluido tantos nuevos temas en este trabajo.

 Joan Manuel Serrat: ‘Hijo de la luz y de la sombra’

Fue el gran provocador de la música francesa (y mundial), un letrista insuperable y un visionario musical. El personaje perfecto para que dibujemos sus mitos y leyendas, con un estupendo biopic pendiente de estreno en cines, ‘Gainsbourg, vie héroïque’. Así define la revista Rolling Stone al músico parisino. Vuelve a salir a la palestra ahora que se estrenará en nuestro país un documental sobre su agitada vida, dirigido por Joann Sfar. El film narra la vida del niño judío convertido en poeta en París bajo la ocupación alemana.

         No sé si su vida puede calificarse de “heroica” o no, pero sí estuvo plagada de polémicas y de anécdotas fascinantes. Muchos recordarán su idilio con Brigitte Bardot y otros su brillante talento para los versos. El crítico de música Jim Harrington recomienda en 1001 discos que hay que escuchar antes de morir su disco Histoire de Melody Nelson (1971), que explora la fascinación del autor por una inalcanzable heroína adolescente. Sin embargo, en palabras de Harrington, “esas heroínas no eran inalcanzables para el famoso viejo verde francés. Por aquel entonces ya había estado con el bombón definitivo, Brigitte Bardot, y la encantadora criatura que aferra un mono de peluche contra su pecho en la portada era la amante de Gainsbourg, Jane Birkin”. Este álbum se inspiró en Lolita de Vladimir Nabokov, novela publicada por vez primera en 1955.

Pese a ser aclamado como el “libertador del pop francés de los sesenta”, Gainsbourg solamente era conocido en el extranjero por su dueto jadeante con Birkin en Je t’aime moi non plus, un tema que fue censurado en España (entre otros países), al ser tachado de “pornográfico”, ya que incluía sonidos que simulaban un orgasmo femenino. Con la esperanza de igualar ese éxito, el cantante reclutó a Birkin y caldeó el ambiente de tal forma con Histoire de Melody Nelson que hizo que su éxito anterior sonase como “unas simples caricias preliminares”. Su videoclip, que podéis escuchar un poco más abajo, tampoco tiene ningún desperdicio.

El álbum fracasó comercialmente incluso en Francia y muchos críticos lo consideraron un éxito excesivo. Hoy en día se contempla como una unión revolucionaria de grupo de rock y orquesta que ha ejercido una influencia inconmensurable en artistas como Beck, David Holmes y Air.

Serge Gainsbourg: ‘Je t’aime moi non plus’

Serge Gainsbourg: ‘Ballade de Melody Nelson’